Tel un chef d’orchestre, il guide la direction artistique des grandes marques de skateboard. De Girl à Element, en passant par la défunte Uma Landsleds, son empreinte est visible partout, des murs des magasins de skate aux planches marquées par la rue.
Depuis vos débuts, vous avez évolué entre l’édition, la direction artistique, l’écriture, l’illustration et le graphisme. Comment ce parcours s’est-il dessiné et qu’est-ce qui vous pousse à travailler avec autant de formes d’expression différentes ?
C’est une question compliquée, et la réponse l’est encore plus. Je vais rester simple. J’aime créer toutes sortes de choses. J’aime dessiner, écrire, faire du graphisme, publier, faire de la musique (et si je pouvais, j’adorerais souder). J’apprécie toutes ces activités et j’ai toujours trouvé amusant de passer de l’une à l’autre et parfois de brouiller les frontières entre elles. Par exemple, entre l’illustration et les beaux-arts, je constate que mes dessins s’immiscent constamment dans mes collages multimédias. Et mon expérience en graphisme joue sans aucun doute un rôle dans toutes les œuvres que je crée. Aujourd’hui, lorsque je peins ou réalise des collages, le graphisme détermine l’aspect de l’œuvre, même lorsque j’improvise.
Mais il y a quelques années, j’ai commencé à réduire le nombre de disciplines. J’ai arrêté d’écrire professionnellement. J’ai pensé que c’était ma pire discipline, alors je l’ai mise de côté pour me concentrer sur d’autres choses. Écrire semblait être un choix facile à abandonner, probablement parce que j’ai commis l’erreur de relire mes anciens travaux. C’était vraiment mauvais.
En ce qui concerne l’édition, j’ai également pris mes distances. Aujourd’hui, je me contente essentiellement de documenter mon travail de manière ludique. Mon dernier projet avec Bend Press est un livre intitulé « The Lost Singles », qui présente plus de 20 de mes collages sur papier 7”x7” sous forme de pochettes de disques 45 tours. Ce livret m’a valu, sans le vouloir, d’être invité à un salon à Washington l’année dernière. Une formidable opportunité. Pendant des années, j’ai rêvé de faire de Bend Press une véritable maison d’édition. Mais cela prend beaucoup de temps, coûte cher et plus personne ne lit.
Certaines personnes m’ont conseillé de me concentrer sur une seule chose pour vraiment la maîtriser. C’est ennuyeux. La vie est courte. J’aime bricoler.
… si je voulais vraiment gagner ma vie en étant créatif, je devrais le faire en tant que graphiste.
À 20 ans, tu as décroché ton premier emploi chez Freestylin’, un magazine de BMX basé à Los Angeles. Quelle place occupait le BMX dans ta vie à cette époque, et qu’est-ce que cette expérience t’a appris avant que le skateboard n’entre en scène ?
J’ai fait du skateboard quand j’étais jeune, en Floride, au début des années 70. J’avais une planche Makaha en plastique en forme de banane, équipée d’une première version de roues en uréthane à roulements libres. C’est sans doute là que l’idée a germé. Puis, vers l’âge de 13 ans, ma famille a déménagé à Cheyenne, dans le Wyoming. Le skateboard n’existait tout simplement pas là-bas. Mais il y avait beaucoup de terre. Mon père était un passionné de moto, il nous a donc acheté des motos tout-terrain et je suis devenu accro à ces engins à deux roues. En 1976-1977, mes amis et moi avons démonté nos vélos 20 pouces à 5 vitesses et avons commencé à faire des pistes. J’étais accro.
Lorsque les courses ABA BMX sont arrivées dans notre ville, nous avons été complètement subjugués. Nous avons découvert BMX Action et notre monde a littéralement changé. Après avoir obtenu mon permis à 16 ans, nous avons sillonné le Wyoming, le Colorado, le Nebraska et l’Utah pour participer à des courses. Tout l’argent que nous gagnions grâce à nos emplois était investi dans nos vélos et nos déplacements. Nous avons fait cela pendant des années.
Je n’ai vraiment recommencé à faire du skate qu’après être entré à l’école d’art en 1982-1983 à Denver, dans le Colorado. C’est aussi à cette époque que la musique a commencé à occuper une place importante dans ma vie. Nous avons commencé à aller à des concerts et à acheter des disques. La scène punk était en plein essor. Toutes ces influences (le BMX, le skateboard, l’art et le punk) m’ont mis sur la voie. C’est à cette époque que j’ai déménagé en Californie pour participer au lancement du magazine Freestylin’. Mon rêve était devenu réalité. Il semblait n’y avoir aucune limite pour nous. Les magazines, les fanzines, le skateboard et la musique sont devenus les moteurs de ma vie.
Le BMX, le skateboard et l’école d’art m’ont appris l’importance de la communauté.
Quel a été votre premier contact avec l’illustration et le graphisme ?
Je pense que c’est en dessinant des bandes dessinées et des BD que j’ai commencé à « concevoir », c’est-à-dire à assembler des dessins. Au lycée, nous avions un programme artistique génial et mon professeur, qui m’a beaucoup influencé, m’a dit que si je voulais vraiment gagner ma vie en étant créatif, je devais devenir graphiste. Il m’a semblé naturel de suivre cette voie.
Nous n’avons jamais cherché à créer une image de marque visuelle pour Girl. Cela s’est fait naturellement, par osmose.
En 1993, vous avez pris la direction artistique de Girl Skateboards après Spike Jonze. Comment avez-vous vécu cette transition et quels sont vos souvenirs concernant vos premiers graphismes pour la marque ?
Rick, Spike, Mike et Megan ont lancé Girl en 1993 et j’ai travaillé en freelance pendant la première année. Je connaissais Megan et Spike pour avoir travaillé avec eux sur des magazines de BMX. J’ai rencontré Rick et Mike peu après. Je me souviens très bien d’être assis devant un écran avec Rick Howard et d’avoir conçu toute la première série Girl. À l’époque, je travaillais pour le magazine Dirt avec Spike et Mark Lewman. Quand j’ai quitté Dirt, j’ai rejoint Girl à plein temps en 1994. Qui l’aurait cru ? Nous n’étions qu’une bande de fous essayant de faire quelque chose.
C’est drôle, les premières planches que nous avons fabriquées ne portaient même pas la mention « Girl » ! Peut-être étions-nous trop timides ? Qui sait. Nous avons pris beaucoup de plaisir à créer tout ce que nous voulions.
À cette époque, aviez-vous déjà défini clairement votre processus créatif pour la conception d’une série de planches ? Comment ce processus a-t-il évolué au fil du temps ?
Il n’y avait aucun processus clair. Je savais dessiner, concevoir et créer des fichiers de production pour les planches, les roues, les publicités, les emballages, etc. Spike savait filmer le skateboard, Rick et Mike faisaient du skate et ont formé une équipe incroyable. Et Megan a fait fonctionner toute cette machine de folie. Et c’est ce que nous avons fait. Tout semblait aller très vite.
Nous n’avons jamais cherché à créer une image de marque visuelle pour Girl. Cela s’est fait naturellement, par osmose. Nous n’avons jamais pris quoi que ce soit ni nous-mêmes trop au sérieux. Je pense que c’est ce qui a contribué à créer cette ambiance irrévérencieuse et drôle. Avec le recul, des années plus tard, j’ai commencé à qualifier notre « méthode », notre « image de marque », d’anti-image de marque.
Y a-t-il une série ou un tableau dont vous êtes particulièrement fier ? Y a-t-il une collaboration qui vous tient particulièrement à cœur ?
Il y a eu tellement de moments formidables au fil des ans. La collaboration qui a été/est la plus significative pour moi, ce sont les liens que nous avons tous tissés entre nous. Nous avons baptisé notre département artistique « Art Dump ». J’ai eu la chance de travailler avec des créatifs vraiment incroyables pendant toutes ces années. Les liens entre les équipes de skate et Rick, notre guide. Tout semblait parfait.
Je suis tellement reconnaissante d’être de retour chez Girl. C’était comme rentrer à la maison.
Lorsque vous êtes passé de directeur artistique à directeur de la création pour plusieurs marques, qu’est-ce qui a vraiment changé dans votre travail quotidien ?
The Art Dump. Nous avons commencé à embaucher des designers en interne vers 1995, Bucky Fukumoto étant le premier, lorsque nous avons déménagé l’entreprise à Torrance. À mesure que les marques apparaissaient, nous avons embauché de plus en plus de graphistes et de designers de vêtements pour les gérer. Johannes Gamble, Michael Leon, Tony Larson, Andy Mueller, Kevin Lyons… The Art Dump était assez important à un moment donné. Mon rôle consistait en quelque sorte à rassembler tout le monde et à continuer de diriger la création chez Girl.
Nous avions des réunions improvisées une fois par semaine pour passer en revue le travail, mais la plupart du temps, nous discutions de tout et de rien et faisions des brainstormings. Il y avait un directeur artistique pour chaque marque, mais nous travaillions tous en permanence sur plusieurs marques, ce qui rendait le processus de création très amusant. Nous avons eu de très bonnes équipes au fil des ans.
En 2017, vous avez pris le poste de directeur artistique mondial chez Element. En quoi ce poste diffère-t-il (ou non) de ce que vous faisiez chez Girl ?
Complètement différent. Girl était/est une famille, Element, quand j’étais là-bas, c’était strictement professionnel – le résultat financier était la chose la plus importante. Je travaillais avec une très bonne équipe de designers et d’illustrateurs, mais la structure générale, la direction, m’était totalement étrangère. Je ne comprenais tout simplement pas, je ne les comprenais pas. Et ils ne me comprenaient pas.
Je suis tellement reconnaissante d’être de retour chez Girl. C’était comme rentrer à la maison. Et je dirais que la différence la plus flagrante, c’est que chez Girl, je n’ai jamais travaillé avec des connards. Jamais.
Dans quelle mesure participes-tu aujourd’hui à la direction artistique des graphismes des skateboards, et quelle liberté accordes-tu aux illustrateurs avec lesquels tu travailles ?
Nous sommes trois à former l’équipe artistique interne. Moi-même avec Girl, Carlos Gutierrez avec Chocolate et Paul Chan, notre photographe. Je m’occupe de presque tout, mais Carlos dirige la partie créative avec Chocolate. Il est parfait pour ce rôle. En ce qui concerne les freelances, nous les recrutons pour leurs compétences particulières, leur style et leur sensibilité. La plupart du temps, nous leur présentons un concept et les laissons faire. D’autres fois, ce sont eux qui nous présentent leurs créations graphiques. Certains artistes comprennent immédiatement les concepts.
La clé, c’est de faire confiance aux personnes avec lesquelles vous travaillez. Donnez-leur de l’espace, de la liberté. Laissez-les faire ce pour quoi vous les avez embauchés. S’ils ont des questions, nous en discutons. Je ne suis absolument pas un directeur artistique qui microgère tout. Au contraire, je suis parfois trop laxiste. Je dois dire que l’un des aspects les plus gratifiants de ce travail est de collaborer avec des personnes talentueuses et compétentes. J’ai noué de nombreux liens durables au fil des ans.
Lorsque vous travaillez pour une marque, comment faites-vous la distinction entre ce qui relève de vos goûts personnels et ce qui sert véritablement l’identité de la marque ?
Je pense que c’est assez facile. Nous avons des réunions du personnel une fois par semaine pour passer en revue les lignes directrices. Tout le monde dans la salle comprend. Certains graphiques ou concepts sont retenus pour le catalogue de production, d’autres non. Certains artistes sont retenus, d’autres non. Certaines choses sont renvoyées à la case départ. Personne n’est blessé dans son amour-propre. Nous sommes presque toujours d’accord après les réunions. C’est un bon processus.
Dans un secteur soumis aux aléas saisonniers et à des sorties constantes, comment maintenir une cohérence visuelle et culturelle sur le long terme ?
Eh bien, je ne pense pas que nous voyons les choses ainsi. Je pense, j’espère, que nous évoluons constamment et que nous ne tombons pas dans la répétition. Nous ne nous prenons pas trop au sérieux, donc nous sommes toujours ouverts aux nouvelles idées. Les choses de dernière minute sont parfois les meilleures. Elles sont fraîches. J’essaie également de ne pas regarder ce que font les autres marques.
Carlos et moi avons beaucoup discuté de cela. Pour moi, c’est comme rester à l’écart, ne pas se laisser entraîner par ce que fait l’industrie. C’est presque impossible à faire, bien sûr, mais j’aime l’idée de ne pas savoir.
Après toutes ces années et tous ces projets, qu’est-ce qui vous motive encore à faire ce travail ?
Je dis toujours aux gens que le skateboard m’a maudit il y a de nombreuses années, rendant impossible tout autre travail dans d’autres secteurs. Je me sens à l’aise dans le skateboard, c’est mon univers. Et l’art, les artistes et les skateurs pour lesquels nous réalisons des graphismes changent constamment.
Et enfin, quels sont vos projets à venir ?
Quelques idées pour organiser des expositions Art Dump à l’international plus tard dans l’année. De nombreux nouveaux artistes seront invités, ainsi que d’anciens participants. Nous envisageons Hong Kong, le Japon, l’Espagne et le Mexique. On ne sait jamais. L’idéal serait que ces voyages soient combinés à une tournée de skate. Je suis très enthousiaste à l’idée de ces possibilités.
Et 8 dernières questions rapides :
PRODUCTION UNIQUE OU EN SÉRIE : Pièces uniques ou petites séries. Art.
PAPIER OU TABLETTE : Papier. Mais je dois admettre que l’iPad est un outil formidable.
SKATE & CREATE OU SKATE & DESTROY: LES DEUX ! Pour sûr.
CE QUI VOUS MOTIVE : Mes amis et ma famille. La musique : je ne peux pas travailler sans musique.
CE QUI VOUS FREINE : La peur. Le syndrome de l’imposteur est bien réel.
FIGURE PRÉFÉRÉE : No Comply. Plus précisément, les No Comply de Ray Barbee.
SKATER PRÉFÉRÉ : En ce moment, Simon Bannerot.
VOTRE RÊVE : Être heureux. Se sentir satisfait.
